Comics 101 – Was ist die Postmoderne der Comics?

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Die meisten Comic-Historiker und -Fans betrachten die Ära, in der wir uns gerade befinden, als modern. Aber es besteht kein Zweifel, dass etwas in der Comicbuchindustrie irgendwann zu Beginn des neuen Jahrtausends zu einer grundlegenden Verschiebung der Grundlagen sowohl der Geschäfts- als auch der Unterhaltungsseite des Mediums geführt hat. Ich denke, die Experten werden bald verkünden, dass die Comicveröffentlichung in ein neues Zeitalter eingetreten ist, und das vorherige – das jetzt als „Modern Age“ bekannt ist, wird als etwas anderes eingestuft (die wahrscheinlichsten Kandidaten werden wahrscheinlich Platin oder sein). Eisenzeit). Da diese Ära jedoch nicht gekennzeichnet wurde, können wir die aktuelle Ära des Comicveröffentlichens nur als die „Postmoderne“ -Ära bezeichnen.

Im Goldenen Zeitalter der Comics dauerte jedes Abenteuer in einer Ausgabe mehr als 8 Seiten oder so, und die meisten Titel waren Anthologien mit mehreren Charakteren in kurzen Abenteuern. Im Silberzeitalter hatten viele Titel einen 12-16-Seiten-Vorlauf und einen 6-8-Seiten-Backup. In der Bronzezeit enthielten die meisten Comics nur einen Charakter oder ein Konzept, oft in kurzen zwei- oder dreiteiligen Geschichten mit Nebenhandlungen, die ein Jahr oder länger dauern konnten.

Heutzutage ist es in den meisten Superhelden-Comics die Norm, in „Story Arcs“ zu schreiben, einer vier- bis achtteiligen Geschichte, wobei jede Ausgabe als „Kapitel“ dieser Geschichte dient, die in die größere Familie des Titels übergehen kann Bücher oder komplett in andere Titel.

Die Technik des Geschichtenerzählens in diesen Comics wird als „dekomprimiert“ bezeichnet, weil Szenen „atmen dürfen“. Anstatt in halsbrecherischer Geschwindigkeit von einer Szene zur nächsten zu hetzen, kann der Autor bei einer Szene oder sogar einem bestimmten Moment verweilen, um sie besser entfalten zu können.

Der Stil kann durch eine Abfolge von Bildern, die sich nicht ändern und keinen Text haben, typisiert (oder sogar stereotypisiert) werden, um anzuzeigen, dass eine Figur nachdenkt, oder der Autor möchte eine prägnante, unangenehme Pause im Dialog anzeigen. Es kann auch in einer Reihe von textlosen Bildern verwendet werden, um das Bewusstsein für ein Element in diesen Bildern zu erhöhen.

Zwei der ersten amerikanischen Comics, die diesen Stil verwendeten, waren Warren Ellis‘ Die Autorität und Brian Michael Bendis‘ Ultimativer Spider-Man. In Die Autorität, es wurde normalerweise als „Kinostil“ oder „Breitbild-Stil“ bezeichnet, da Ellis das Gerät oft benutzte, um „die Zeit zu verlangsamen“, wie es in Filmen wie populär gemacht wird Die Matrix. In Ultimativer Spider-Man, wurde die Dekompression häufiger in Dialogen verwendet, in denen zwei Charaktere seitenlang miteinander sprachen.

Beide Titel waren Riesenhits, und viele andere Autoren versuchten mit unterschiedlichem Erfolg, Ellis‘ und Bendis‘ Stil nachzuahmen.

Selbst wenn es richtig gemacht wird, hat dekomprimiertes Storytelling Kosten und Vorteile. Einerseits gibt es dem Autor die Möglichkeit, seine Gedanken (Charaktere, Handlungssequenzen usw.) wirklich vollständiger zu entwickeln und für den Leser wirklich scharf zu fokussieren. Auf der anderen Seite kann es bei weniger zu lesendem Text die Lesezeit einer Ausgabe verkürzen, was zu Unzufriedenheit beim Leser führt.

Eine häufige Beschwerde unter den Lesern ist, dass Dekompression das Buch „auffüllen“, eine Handlung erweitern, um mehr Exemplare jeder Ausgabe zu verkaufen, oder einen Vertrag über eine Handelstaschenbuchsammlung der Serie ausfüllen, die sich normalerweise am besten beim Sammeln verkauft 5-8 Ausgaben eines Titels. Dies wird als „Schreiben für den Handel“ bezeichnet, obwohl sowohl DC Comics als auch Marvel Comics mehr ihrer neueren Kollektionen zuerst im Hardcover-Format veröffentlichen.

Manga ist ein so weit gefasster Begriff und Erfahrung, dass es unmöglich wäre, die Geschichte und kulturellen Auswirkungen von Manga und Anime im Rahmen dieses Artikels zu untersuchen. Für die Zwecke unserer Diskussion hier konzentrieren wir uns hauptsächlich auf die Auswirkungen, die Manga auf den US-Comic-Markt hatte.

„Manga“ ist auf seiner grundlegendsten Ebene nur ein anderer Begriff für ein Comicbuch, das in einem der südostasiatischen Länder erstellt wurde oder von der Arbeit aus diesen Ländern beeinflusst wurde.

Manga hat die westliche Kultur seit Jahrzehnten beeinflusst, von Speed ​​Racer und Kampf der Planeten/G-Force, durch die Live-Action Mächtige Morphin‘ Power Rangers und seine Fortsetzungen in den 80er und 90er Jahren, Pokémon und Dragon Ball Z heute.

Es war jedoch hauptsächlich ein Underground-Hobby in den Vereinigten Staaten, eines für High-School- und College-Studenten. Was die Popularität von Manga schließlich übertrieben hat, war möglicherweise das Debüt von Shonen Jump Magazin.

Shonen-Sprung, eine englische, monatliche Ausgabe von Japans Wöchentlicher Shonen-Sprung, debütierte Ende 2002. Unter den sieben Geschichten, die in den ersten Ausgaben veröffentlicht wurden, waren Naruto, Ein Stück, Dragon Ball Z und Yu-Gi-Oh! Alle sind zu großen, plattformübergreifenden Erfolgen geworden. Shonen-Sprung einen riesigen unterversorgten Markt für jüngere Jungs erschlossen, die actiongeladene Comics wollten.

Viz, Tokyopop und andere Verlage nutzten die Manga-Explosion, indem sie Verträge mit asiatischen Manga-Verlagen abschlossen, um ihre Originaltitel für ein amerikanisches Publikum zu übersetzen und sie in Sammlungen in Digest-Größe zu verkaufen. Wenn Sie den Abschnitt „Graphic Novel“ Ihres örtlichen Buchladens besuchen, ist die Regalfläche für Manga wahrscheinlich 4-5 mal so groß wie für Comics im amerikanischen Stil.

Es ist ungewiss, wie die letztendlichen Auswirkungen auf den Verkauf von Comics im westlichen Stil sein werden, aber sie haben es mit Widerständen innerhalb der amerikanischen Comic-Community zu tun. Einige Fans und Händler haben sich beide gegen die Idee aufgelehnt, Mangas in US-Comic-Buchläden zu tragen. Es ist unklar, was die Gründe für diese Gefühle sind.

Identitätskrise war eine Miniserie, die von Bestsellerautor Brad Metlzer geschrieben und von Rags Morales illustriert wurde und 2004 von DC Comics veröffentlicht wurde. Die Saat wurde zuerst von Alan Moore und Dave Gibbons in Die Wächter 1986 hier endlich ihre volle Entfaltung erreichen.

Identitätskrise behandelt Themen wie Vergewaltigung, Mord, Menschenrechtsverletzungen, Wahnsinn, Korruption und Täuschung in einer sehr offenen, erwachsenen Art und Weise. Die Wächter auch alle diese Themen behandelt, aber Identitätskrise war das erste Mal, dass sie im Mittelpunkt eines Titels standen, der fest im DC-Universum angesiedelt ist. Dies waren keine Charaktere, die um der Geschichte willen geschaffen wurden, sie waren Ikonen des Silver Age von DC Comics, sie waren die Justice League of America.

Ob du dachtest Identitätskrise eine gute Miniserie war oder nicht (und es war eine sehr polarisierende Geschichte), man muss anerkennen, dass es zumindest ein intellektueller Nachkomme von . ist Die Wächter. Die moralisch zweideutige Qualität der Geschichte hat den allgemeinen Ton im DC-Universum bestimmt. Schon seit Identitätskrise, Wir haben gesehen:

  • Ein Administrator der Justice League schoss Blue Beetle in den Kopf und tötete ihn sofort
  • Wonder Woman bricht einem Mann im Live-Fernsehen auf der ganzen Welt das Genick
  • Batman benutzt (und verliert die Kontrolle über) einen Computersatelliten, um buchstäblich jeden auf der Welt auszuspionieren
  • Sogar das aktuelle Crossover-Event von DC, „Blackest Night“, hat im Kern die Fehler, die Helden in ihrer Vergangenheit gemacht haben, die buchstäblich zurückkommen, um sie zu verfolgen

(Eine persönliche Anmerkung: Ich urteile auch nicht darüber Identitätskrise oder was ist seitdem passiert. Aber es ist unmöglich zu argumentieren, dass das DC-Universum kein viel dunklerer Ort ist als noch vor 10 Jahren).

Es ist wahr, dass es den Anschein hat, als würden Superhelden-Comics ihren Sonnenuntergang erleben, da die Verkäufe jedes Jahr weiter sinken. Aber auf der anderen Seite ist es möglich, dass wir gleich um die Ecke von einem anderen Goldenen Zeitalter stehen. Es ist offensichtlich, dass Superhelden-Geschichten auf der großen Leinwand von den Massen angenommen wurden. Vielleicht werden Superhelden-Comics mit neuen Vertriebsmodellen wie dem iPhone oder der Longbox-Plattform wieder an Bedeutung im nationalen Bewusstsein gewinnen.

Ob wir uns also in der Moderne oder der Postmoderne befanden, es ist sehr gut möglich, dass wir gerade die Ecke in eine andere Ära des Comicveröffentlichens verwandelt haben.

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Source by R. Wesley Smith

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