Athen – Griechische Kunst

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Für die alten Griechen umfasste der Kunstbegriff jede Form der schöpferischen Tätigkeit, die zu ihrer kulturellen Entwicklung beitrug. Wir, die wir das Glück haben, in diesem Teil der Welt geboren zu sein, können mit jedem Schritt das künstlerische Erbe Athens sehen. Überall sieht man Spuren von Architektur, die kopiert, aber nie übertroffen wurde. In Museen auf der ganzen Welt können wir außergewöhnliche Beispiele von Skulpturen sehen, die aus dem kalten Marmor vor Leben, Schönheit und Harmonie strotzende Figuren gezeichnet haben. Nichts ist wohl eher eine ausschließlich athenische Errungenschaft als die attische Keramik, die auf ihrer Suche nach schöpferischer Vollendung durch lebendige Ornamentik von der Lebensweise der Menschen, ihrer Götterverehrung und ihren Freuden und Leiden erzählt. Die attische Erde hat seit jeher reichhaltigen Ton für das Töpferhandwerk geliefert, sei es für den Haushalt, für religiöse oder andere Zwecke. Mit diesem Material experimentierten, schufen und erlangten athenische Künstler – Töpfer und Maler – bekannte und anonyme Künstler und Unsterblichkeit.

Eines der frühesten Keramikstücke, die in attischen Werkstätten hergestellt wurden, ist die berühmte große (1,75 m hohe) Amphore aus dem Dipylon-Tor, die heute im Archäologischen Museum ausgestellt ist. Es wurde in der Nekropole von Keramikos gefunden, nachdem es das Grab eines angesehenen Bürgers des 8. Jahrhunderts v. Chr. Geschmückt hatte. Die dargestellte Szene lässt keinen Zweifel an ihrer Verwendung als Grabstein. Seine Form ist einfach, ohne Prunk; Es hat eine schmale Basis und einen verlängerten Hals, was auf einen kühnen Töpfer hindeutet, der keine Angst vor einer so unhandlichen Größe hatte. Die Dekoration besteht aus aufeinanderfolgenden Reihen von geraden Linien und unruhigen griechischen Schlüsselmustern, während in der Mitte der Trauerzug mit dem Leichnam auf einem Karren steht, umgeben von trauernden Verwandten und professionellen Trauernden, die sich die Haare reißen; kleine Vögel füllen die Lücken. Die Szene erinnert an kretische und maniotische Klagelieder, zeitlose Ausdrücke des Todesschmerzes. Das gesamte Werk – sowohl die Vase als auch ihr Dekor – war charakteristisch für die Strenge der Zeit, in der sich geometrische Symbole dem Transzendenten näherten.

Zur gleichen Zeit begann in Korinth und im benachbarten Sikyon eine ganz andere Art von Keramik herzustellen, bestehend aus kleinen runden Töpfen mit reich bemalten Dekorationsbändern, die Tiere aus asiatischen Ländern darstellen. Greife, Sphynxe und Löwen deuteten alle auf den Handel zwischen Korinth und den Häfen des Ostens hin. Töpferwaren desselben Typs wurden in Milos und Rhodos hergestellt, anderen bekannten Handelszentren der antiken Ägäis. Es waren jedoch die Korinther, die zuerst die schwarzfigurige Technik verwendeten, um die Konturen der Formen in die Oberfläche des Topfes einzuschneiden und diese Formen dann schwarz zu malen.

Zu Beginn der produktivsten Zeit in Athen brachten Solon und seine Gesetze viele fähige Töpfer dazu, Werke für eine sichere Kundschaft herzustellen. Gleichzeitig begannen die Handwerker selbst, auf künstlerische Anforderungen zu reagieren, indem sie neue Formen und Größen mit einer entsprechenden Entwicklung in der Dekoration schufen. Die steifen, unbeugsamen Figuren der geometrischen Bestattungsurne erlangten nach und nach Bewegungselastizität. Künstler ließen sich zunächst von Reliefskulpturen inspirieren und leiteten ihre Themen aus den unerschöpflichen Themen der Mythologie ab. Und während die bahnbrechenden Korinther ihren Werken eine orientalische Note verliehen, indem sie exotische dekorative Figuren darauf malten, wurde die athenische Kunst erzählerisch. Seine schwarzen Figuren zeigten die Leidenschaften von Göttern und Helden sowie die Beschäftigungen der einfachen Leute: ihre Arbeit, Zeremonien und Schwächen. Anfangs entwickelten sich die Szenen horizontal, ebenso wie die korinthischen Töpfe, die ihnen als Vorbilder dienten, obwohl die athenischen Werke viel größer waren. Eingeschnittene Verzierungen ließen die natürliche Farbe des Tons durchscheinen, und nur bei weiblichen Formen wurden die Gesichter und unbedeckten Körperteile weiß gestrichen. Sehr oft fügten die Künstler die Namen der dargestellten Figuren in archaischer Schrift hinzu.

Ab dem 6. Jahrhundert hörten die Handwerker auf, anonym zu sein, als sie begannen, ihre Werke zu signieren. Das früheste signierte Keramikstück, das wir haben, stammt von einem Mann namens Sophilos. Dieses unbezahlbare Fragment wurde auf 570 v. Chr. datiert. Es war derselbe Handwerker, der uns eine signierte Szene der Begräbnisspiele zu Ehren des erschlagenen Patroklos vor den Mauern von Troja hinterlassen hat, bei der die Zuschauer auf einer Doppelplattform mit Stufen sitzend gezeigt werden: die erste Tribüne, die in der Geschichte des Stufentheaters.

Das goldene Zeitalter der schwarzfigurigen Vasen war von 550 bis 500 v. Zu dieser Zeit gehört die berühmte Francois-Vase, die heute in Florenz ausgestellt ist und auf der der Töpfer Ergotimos und der Maler Kleitias stolz ihre Unterschriften platzierten. Den beiden Künstlern ist es gelungen, 250 lebendige Menschen- und Tierfiguren in fünf parallelen Reihen auf einer nur 66 cm hohen Vase darzustellen. Dieser Fortschritt machte attische Töpfe im gesamten Mittelmeerraum begehrt und führte die Kolonisten Süditaliens und Siziliens dazu, ihre eigenen Werkstätten zu gründen, von denen sie viele Beispiele ihrer unvergleichlichen Kunst hinterlassen haben. Museumsvitrinen sind voll von Vasen mit Darstellungen von Göttern, frechen Satyrn, betrunkenen, verliebten Sterblichen, hartherzigen Päderasten und edlen Pferden, die bereit sind, die Streitwagen der Helden zu ziehen.

Exekias, der vielleicht größte Töpfermaler seiner Zeit, lebte um 530 v. Er war der erste, der es wagte, die Außenseite seiner Tassen mit zwei riesigen Augen abergläubischer Herkunft zu schmücken. Das prächtigste Beispiel seiner Kunst ist die Kylix in München, deren Inneres Dionysos zeigt, wie er unbeschwert in seinem Schiff segelt und die Piraten, die ihn verletzen wollten, in Delfine verwandelt hat. Eine üppige Rebe schießt aus dem Mast und die Trauben werfen ihren Schatten auf das wogende Segel. Diese Reise vor einem traumhaft roten Hintergrund war das Vorwort zu einer neuen Form der Keramikmalerei mit roten Figuren.

Diese neue Technik war genau das Gegenteil der vorherigen, da hier die gesamte Oberfläche des Gefäßes schwarz bemalt war, mit Ausnahme der zuvor gezeichneten Figuren, die die warme Ziegelfarbe von gebranntem Ton beibehielten. Die Künstler ritzten nicht mehr das Design ein, sondern verwendeten Pinsel, um die Details von Kleidung und aufwendiger Frisur mit sicheren Linien zu übertragen. Frauen werden nicht mehr in Weiß dargestellt. Im Gegenteil, sowohl männliche als auch weibliche Formen waren häufig mit einem rötlichen Lack bedeckt, der etwas von der inneren Wärme des menschlichen Körpers widerspiegelte.

Als Erfinder der rotfigurigen Technik gilt ein Mann namens Andokides, auch wenn er selbst oft seine Vasen nach alter Art dekorierte. Die Übergangszeit lässt sich an seinen sogenannten „zweisprachigen“ Gefäßen ablesen, auf denen die gleiche Szene mit roten Figuren auf der einen Seite und schwarzen auf der anderen Seite dargestellt wurde. Es wurden Tassen mit schwarzen Zahlen innen und roten außen gefunden. Dann traten gewisse Unterschiede in den Details der Funktionen auf. Auf der schwarzen Keramik wurden zum Beispiel Männer mit runden Augen dargestellt, während Frauen immer verlängerte Augen hatten; bei der rotfigurigen Technik hatten Männer und Frauen jedoch beide die gleichen Mandelaugen mit dicken Wimpern. Gleichzeitig distanzierten sich die Künstler von dem starren archaischen Relief, das die Dinge im Profil zeigte. In der Darstellung von Figuren, die dem Betrachter zugewandt zu sein schienen, war die Auseinandersetzung der Künstler mit ganzfigurigen Skulpturen deutlich zu erkennen. Betrachtet man zum Beispiel Kritias‘ Marmorjunge im Akropolismuseum und eine jugendliche Figur auf einem Stück Keramik, so erkennt man genau dieselbe stolze Haltung des Körpers.

Der zunehmende Realismus der Skulptur konnte nicht umhin, die Töpferei zu beeinflussen, so dass auch die gemalte Dekoration an Bewegung und Lebendigkeit gewann. Gezeigt wurden Szenen aus dem alltäglichen Leben, die manchmal an Hohn grenzten. Unerbittlich zeigten die Maler alte Menschen, zeigten alle Falten und Hässlichkeiten des Alters. Missgestaltete Satyrn gaben Künstlern die Möglichkeit, ihre Kunst zu zeigen und gleichzeitig Heiterkeit zu provozieren. In München gibt es eine charakteristische Tasse, auf der der Maler Epileios einen äußerst hässlichen Satyr mit dem unglaubwürdigen Namen Terpon (Freude) zeigt, der vor einem vollen Weinschlauch das Wort „Süßwein“ ausruft. An anderer Stelle wurden explizit erotische Szenen gezeichnet, in denen die Mimik der Gesichter ebenso grafisch dargestellt wurde wie die Bewegung. Manchmal werden mehrfigurige Kompositionen zu narrativen Zwecken auf verschiedenen Ebenen präsentiert. Im Laufe der Zeit und der Entwicklung der Kunst tauchten Inschriften immer seltener auf.

Ein wunderbares Beispiel für eine rotfigurige Vase aus dem Jahr 500 v. Chr. ist die Sosias kylix in Berlin. Es zeigt einen Moment aus dem Trojanischen Krieg, in dem Achilles die Wunde von Patroklos pflegt. Die Szene wird anschaulich inszeniert: So werden beispielsweise Details der Haare der Helden mit winzigen Linien betont und ihre schuppige Rüstung erscheint als Relief. Zum ersten Mal werden Augen im Profil gezeichnet, genau so, wie wir sie in der Realität sehen. Patroklos wird mit halb geöffnetem Mund gezeigt, wie er die Zähne zusammenbeißt gegen den Schmerz seiner Wunde, die Achilles mit einem weißen Tuch verbunden hat. Achilles‘ linke Hand und der rechte Fuß des Verwundeten mit seinen knochigen Zehen demonstrieren eine hervorragende Technik.

Die dem Künstler durch die rotfigurige Keramikmalerei gebotenen Möglichkeiten verdrängten die alte schwarzfigurige Technik, die bis ins 4. Jahrhundert ausschließlich in der Dekoration der athenischen Keramik vorherrschte, vollständig. Amphoren waren, wie der Name im Griechischen schon sagt, Gefäße mit zwei Griffen, um das Tragen zu erleichtern. In diesen Amphoren schickten die Athener Öl, Wein, Nüsse und Hülsenfrüchte in die ganze bekannte Welt. Mit der Gründung der Panathenaia wurde es zur Gewohnheit, den Gewinnern der Wettbewerbe Amphoren voller Öl von den heiligen Olivenbäumen der Göttin Athene zu schenken. Diese Gefäße hatten eine Höhe von ca. 70 cm und eine mehr oder weniger runde Form, immer mit einem kleinen runden Boden und einem Tonstopfen zum Schutz des Inhalts. Oft war der Hals der Vase mit Anthemia verziert. Auf den panathenäischen Amphoren war auf der einen Seite immer die Darstellung der Athene in den Armen und auf der anderen Seite der Kampf, in dem sich der Sieger hervorgetan hatte.

Über die Entwicklung der Malerei als solcher haben wir keine anderen Kenntnisse als überlieferte Schriften. Daraus leiten wir Beschreibungen der Werke von Apellis und Polygnotos ab, aber sonst sehr wenig. Deshalb ist die Keramikmalerei so wertvoll. Der sogenannte Reiche Orden der Kunst des 5. Die attischen Lekythoi sind ebenso beredt.

Der weiße Lekythos war eine andere Art von Keramik in der Polis, aber mit begrenztem Gebrauch. Solche Vasen enthielten meist aromatische Öle zur Präparation der Toten. Nach dem Trauerzug und der Einäscherung wurden sie entweder ins Grab oder auf die Stufen des Grabdenkmals gelegt. Die gesamte Oberfläche dieses besonderen Gefäßes wurde mit einer cremefarbenen Farbe beschichtet, auf der frei Figuren gezeichnet wurden. Normalerweise wurde der Verstorbene dargestellt, wie er von seinen Lieben Begräbnisgeschenke oder eine andere mit dem Tod verbundene Szene erhielt. Der weiße Hintergrund dieser Vasen förderte die Verwendung von Farben auf den Figuren und vor allem auf der Kleidung. Dunkles oder blondes Haar konnte hervorragend wiedergegeben werden, ebenso wie Gesichtsausdrücke der Trauernden, die zeigten, dass Sterbliche den Willen der allmächtigen Götter mit edlem Kummer akzeptierten. Die Darstellungen auf den weißen attischen Lekythen waren die Vorläufer der prächtigen Wandmalereien auf den makedonischen Gräbern, die das Land des hellenischen Nordens erst jetzt allmählich aufgibt.

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Source by Fanis Piperis

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